Pequod Co. se complace en presentar Forma, deforma, reforma, contrarreforma, transforma, una exposición individual de Cristóbal Gracia en Plataforma.
Hablemos de residuos, moluscos y excesos; de movimientos orbitales, de rupturas que encarnan continuidad y de disputas sobre las narrativas históricas que nos permiten poner en duda la cultura y la tradición. Hablemos de relaciones parasitarias, de interferencias y ruido en la comunicación; de mediación, transformación, defensa, perforación y nácar: el proceso por el cual se forma una perla.
Forma, deforma, reforma, contrarreforma, transforma — derivación ontológica — surge del cuestionamiento de las historias lineales del arte y de sus modos de conceptualización. A partir de errores azarosos —aunque conscientemente provocados e intrínsecos a los procesos de reproducción artística, técnica y material— emerge la alteración de la forma y su deformación. Reforma y contrarreforma remiten a tensiones históricas y políticas inscritas en el barroco: aquello que replica, agrieta, olvida y reconstruye. La transformación, entonces, no es sólo física: implica una alteración radical en la composición interna y funcional del ser, un punto de quiebre que marca un antes y un después.
La obra de Cristóbal Gracia, presentada en Plataforma, se centra en la materialidad del fracaso estético-ideológico. Sus esculturas y piezas exploran cómo el abandono, la acumulación y el almacenamiento de moldes y reproducciones en yeso ¾residuos de la Modernidad y la sobreproducción cultural¾ revelan tanto la decadencia como la persistencia de la historia del arte occidental. El polvo y los restos se convierten en materiales susceptibles de reactivación, otorgando segundas oportunidades desde una lógica artística y social.
La serie de Perlas atascadas con soporte combina procesos digitales y físicos: escaneos que homogenizan miles de fragmentos en texturas semejantes al nácar, impresiones 3D que generan moldes de cerámica y alteraciones deliberadas que evidencian cada paso del proceso. Los mismos moldes de yeso utilizados para realizar vaciados en cerámica fueron reutilizados para el soplado de vidrio. Asimismo, fragmentos de estos moldes fueron fundidos en bronce, materializando procesos y materias que buscan contener y dar presencia al vacío como un espacio productivo. Cada fallo, cada acumulación y cada deformidad abre la posibilidad de crear de formas inéditas. Esta exploración se extiende al grabado y al plano mural, donde la fragmentación produce cartografías caóticas que alcanzan el límite del vacío, mientras que los residuos de los procesos funcionan como testimonio de la transformación material.
El interés de Gracia por lo barroco y lo procesual refleja una indagación sobre la cultura como morfología viva, o codigofagia, concepto desarrollado por Bolívar Echeverría para describir las estrategias de supervivencia y negociación cultural que emergen dentro de un conflicto entre distintos universos semióticos. La codigofagia se entiende, entonces, como una práctica basada en la apropiación, digestión y resignificación de códigos culturales hegemónicos, que son desplazados y alterados desde contextos e imaginarios propios. Esta lógica de desvío y reordenamiento encuentra un eco en la filosofía de Michel Serres, para quien el parásito no es sólo un organismo invasor, sino un elemento disruptivo y constitutivo de cualquier sistema. La interferencia es inherente a toda comunicación y, por extensión, a toda relación: opera como un catalizador que obliga a los sistemas a ajustarse, produciendo equilibrios inestables. Parásitos e interferencias introducen caos, pero también complejidad, diversidad y creatividad, poniendo en crisis nociones rígidas de estabilidad. En la obra de Gracia, entonces, cada defecto o alteración puede leerse como un parásito productivo, capaz de abrir nuevos mundos de forma y sentido.
Las piezas de esta exposición sugieren un flujo continuo de creación, deformidades cambiantes y contenedores perpetuamente colmados. Flotamos, a veces pasivamente, a veces a contracorriente, en un océano tormentoso de líneas, colores y texturas, donde toda forma fallida se rehace y cada fragmento se reinventa. En esta deriva descubrimos que la creación surge del exceso y de la interferencia, y que el hecho de habitar relaciones parasitarias en y con la historia, los materiales y la memoria es, en sí mismo, un acto generativo.
Pequod Co. is pleased to present Forma, deforma, reforma, contrarreforma, transforma, a solo exhibition by Cristóbal Gracia at Plataforma.
Let us speak of residues, mollusks, and excess; of orbital movements, of ruptures that embody continuity, and of disputes over the historical narratives that allow us to question culture and tradition. Let us speak of parasitic relationships, of interference and noise in communication; of mediation, transformation, defense, perforation, and nacre: the process through which a pearl is formed.
Forma, deforma, reforma, contrarreforma, transforma—ontological derivation—emerges from questioning the linear histories of art and their modes of conceptualization. From random errors—though consciously provoked and intrinsic to processes of artistic, technical, and material reproduction—arises the alteration of form and its deformation. Reform and counter-reform evoke historical and political tensions inscribed in the Baroque: that which replicates, cracks, forgets, and reconstructs. Transformation, then, is not only physical; it implies a radical alteration in the internal and functional composition of being, a breaking point that marks a before and an after.
The work of Cristóbal Gracia , presented at Plataforma, centers on the materiality of aesthetic-ideological failure. His sculptures and pieces explore how the abandonment, accumulation, and storage of molds and plaster reproductions—residues of Modernity and cultural overproduction—reveal both the decadence and persistence of Western art history. Dust and remnants become materials susceptible to reactivation, granting second chances through an artistic and social logic.
The series Perlas atascadas con soporte combines digital and physical processes: scans that homogenize thousands of fragments into nacre-like textures; 3D prints that generate ceramic molds; and deliberate alterations that expose each step of the process. The same plaster molds used to produce ceramic castings were reused for glass blowing. Likewise, fragments of these molds were cast in bronze, materializing processes and matter that seek to contain and give presence to emptiness as a productive space. Each failure, each accumulation, and each deformity opens the possibility of creating in unprecedented ways. This exploration extends to printmaking and the mural plane, where fragmentation produces chaotic cartographies that reach the threshold of emptiness, while the residues of the processes function as testimony to material transformation.
Gracia’s interest in the Baroque and in process reflects an inquiry into culture as living morphology, or codigophagy, a concept developed by Bolívar Echeverría to describe strategies of survival and cultural negotiation that emerge within conflicts between distinct semiotic universes. Codigophagy is thus understood as a practice grounded in the appropriation, digestion, and resignification of hegemonic cultural codes, which are displaced and altered from one’s own contexts and imaginaries. This logic of deviation and reordering finds resonance in the philosophy of Michel Serres, for whom the parasite is not merely an invasive organism but a disruptive and constitutive element of any system. Interference is inherent to all communication and, by extension, to all relationships: it operates as a catalyst that forces systems to adjust, producing unstable equilibria. Parasites and interferences introduce chaos, but also complexity, diversity, and creativity, destabilizing rigid notions of stability. In Gracia’s work, each defect or alteration may thus be read as a productive parasite, capable of opening new worlds of form and meaning.
The pieces in this exhibition suggest a continuous flow of creation, shifting deformities, and perpetually overflowing containers. We drift—at times passively, at times against the current—within a stormy ocean of lines, colors, and textures, where every failed form is remade and each fragment reinvented. In this drift, we discover that creation emerges from excess and interference, and that inhabiting parasitic relationships in and with history, materials, and memory is, in itself, a generative act.
